Medium and Communication

Medium and Communication

Visual art begins as an abstract thought but ultimately confronts that thought with a concrete image. In this process, the medium is more than just materiality becomes a crucial vehicle for condensing an artist’s thoughts, emotions, and energy. While the term "medium" conventionally refers to materials or techniques, it also functions as a conduit for artistic expression, carrying and transmitting the artist’s world. In other words, the visual elements that stem from a medium—color, form, texture, and spatial composition—evolve into a distinct visual language, communicating the essence of a work. Just as the shape of a vessel influences how we perceive the water it holds, artists continuously experiment with different mediums to articulate their creative vision, endlessly exploring the formal language unique to their work.

The exhibition "Medium and Communication" brings together the works of Cho Sung-Mook, Hubertus Hamm, Moon Beom and Maxence Doré, each of whom possesses a distinctive understanding of their chosen medium. This exhibition examines how the medium, as a language, engages in dialogue with the viewer, forging meaningful connections.

Cho Sung-Mook (1940–2016) offers a striking example of an artist who approached mediums in a unique and conceptual way. As a founding member of Wonhyeonghoe, Korea’s first avant-garde sculpture group in the 1960s, and a key participant in the experimental art collective AG (Avant-Garde Association), Cho played a leading role in shaping contemporary Korean sculpture. His work revolves around the theme of communication, frequently incorporating recognizable objects.

In his Communication series, featured in this exhibition, Cho presents sculptural glasses as a central motif. However, these glasses, cast in bronze, are stripped of their original functionality—magnified to exaggerated proportions and burdened with an improbable weight. The lenses, rather than aiding vision, appear perforated and incomplete. The title Communication suggests that the act of seeing is inherently tied to the process of communication. By distorting an object’s form and stripping away its original function, Cho’s glasses transcend their literal meaning, transforming into metaphors for perception and dialogue. His work invites us to reflect on the nature of visual experience and challenges us to reconsider the essence of communication itself.

Hubertus Hamm (b. 1950) explores the interplay between art and audience, emphasizing the reciprocity of communication. His approach resonates with Cho Sung-Mook’s investigation of vision and perception, yet Hamm extends the concept further by introducing movement and viewer interaction into his work.

Originally trained in photography, Hamm grew increasingly dissatisfied with the passive nature of photographic spectatorship. He sought to create dynamic, living artworks—works that actively engage with the viewer rather than merely being observed. His practice incorporates diverse media and techniques, yet all his pieces share one defining characteristic: motion.

At first glance, his wall-mounted works resemble base-reliefs, yet as the viewer approaches, the surfaces subtly shift in color, form, and image, responding to movement and gaze in real time. By integrating the viewer’s physical presence and optical engagement into the work itself, Hamm’s pieces become complete only through interaction. His practice surpasses the constraints of two-dimensional media, extending artistic perception into a fourth dimension—time and space. Ultimately, his works serve as fluid, open spaces for communication, where meaning is shaped not just by the artwork itself but by the way it is experienced.

Moon Beom (b. 1955) emerged as a pioneering figure in Korea’s contemporary art scene during the 1980s, a period marked by the polarization of modernism and the People’s art. He sought to redefine the boundaries of painting, challenging traditional notions of the medium and expanding its possibilities beyond the canvas.

Spanning painting, installation, and video performance, Moon’s body of work demonstrates a relentless inquiry into the materiality of painting. The pieces shown in this exhibition illustrate his enduring fascination with the limits and possibilities of the pictorial planes. His works feature bold, non-representational color fields, onto which he affixes three-dimensional materials such as iron fragments, aluminum, and felt. These sculptural elements extend beyond the canvas, creating a tension that oscillates between compression and expansion, generating a powerful sense of energy.

This charged interplay between color and material transforms his paintings into experiences that are not merely seen but felt. By dismantling binary concepts such as representation vs. abstraction and surface vs. depth, Moon Beom disrupts traditional artistic hierarchies. His work compels both artist and viewer to reexamine the act of seeing, ultimately posing questions about the fundamental purpose of artistic expression and the various modes of visual communication.

For Maxence Doré (b. 1990), painting serves as a spatiotemporal domain—a conceptual space where the artist and viewer embark on an introspective journey. His works encourage meditative engagement with inner thought and perception.

Doré’s paintings are characterized by fluid, undulating curves, delicately rendered in oil and marker over smooth, airbrushed surfaces. These forms recall topographical and atmospheric phenomena, drawing inspiration from meteorological imagery captured by satellites. The resulting compositions exist at the intersection of the real and the imaginary—simultaneously evoking landscapes, oceans, and celestial horizons.

His overlapping curves create optical illusions, imbuing his paintings with a sense of depth and movement. These visual effects transcend simple aesthetics, activating subconscious streams of thought within the viewer. Doré’s work dissolves conventional notions of time and space, bridging consciousness and unconsciousness, reality and dream, exterior and interior worlds. His paintings function as portal spaces of boundless freedom, inviting us to embark on a journey beyond the visible world.

"Medium and Communication" highlights how each artist’s chosen medium evolves into a distinct language, forming a bridge between artwork and audience. Rather than passively inheriting traditional mediums, these artists actively redefine them, using materials as instruments of intention and expression.

As an artist’s vision merges with the physicality and formal elements of a medium, the very nature of that medium is reimagined. This process expands the boundaries of communication, allowing for new forms of engagement between the artwork and the viewer. In experiencing these works, visitors are invited to interpret, engage, and immerse themselves, discovering the infinite possibilities of artistic communication and the joy of dialogue through visual art.

시각 예술은 모호한 생각에서 출발하지만 명확한 이미지로 그 생각을 맞선다. 이때 매체(medium)는 단순히 재료를 넘어, 예술가의 사고와 감정, 에너지를 응축하는 중요한 표현 수단이 된다. 사전적으로 매체는 재료나 기법을 뜻하는 용어로 사용되지만, 또 다른 한편으로는 예술가의 작품 세계를 담고 실어 나른다는 점에서 소통의 기능을 동반한다. 말하자면, 매체에서 파생되는 색, 면, 형태, 질감, 공간 등의 다양한 조형 요소들이 하나의 시각 언어가 되어 작품의 내용을 전한다는 것이다. 어떤 모양의 그릇에 물을 담는가에 따라 그 물에 대한 인식이 달라지는 것처럼, 창작자는 자신의 예술 세계를 표현하기 위한 그릇 즉, 다양한 매체를 실험하며 작품만의 조형성을 끊임없이 탐구한다. 조성묵, 후베르투스 함, 문범, 막성스 도흐에의 ≪매체와 소통≫은 각 예술가의 매체에 대한 독자적인 이해와 기법을 따라가며, 매체가 하나의 언어로서 어떻게 감상자에게 대화를 시도하고 관계를 맺는지 살펴보는 전시이다.

조성묵(1940-2016)의 작업은 독특한 매체적 접근 방식을 잘 보여주는 예다. 그는 1960년대 한국 최초의 전위 조각 단체인 ‘원형회’ 및 실험미술 그룹 ‘AG(아방가르드협회)’ 에 참여하며 한국 현대 조각의 전위적 흐름을 이끌어온 조각가이다. 조성묵의 작업은 ‘소통’에 대한 주제를 중심으로 전개된다. 작품에는 구체적인 대상이 늘 등장하는데, 전시에서 선보이는 <소통> 연작은 안경을 모티브로 한다. 여기서 안경의 모습은 본래의 기능성을 찾아볼 수 없는 상태이다. 브론즈로 제작된 안경은 비현실적인 부피와 무게로 확대된 형태이고, 시력 교정을 위한 렌즈는 구멍이 뚫린 불완전한 모습이다. 작품에 붙여진 제목 ‘소통’으로 인해서 조성묵의 안경은 어떤 대상을 보는 행위가 곧 소통을 시사한다는 것을 알려준다. 이렇게 변형이 가미된 안경은 기존에 사물이 지닌 의미나 기능에서 나아가 새로운 의미를 획득하게 된다. 이처럼, 조성묵의 안경은 ‘시각’ 그리고 ‘소통’을 상징하는 메타포로서, 어떤 대상을 바라보는 방식, 그 시각적 경험과 소통의 관계를 탐색하도록 유도하며, 우리에게 소통의 본질에 대해 질문하고 답하는 과정에 참여하도록 한다.

후베르투스 함(Hubertus Hamm, 1950-)의 작업은 작품과 감상자의 ‘상호관계’를 통해 ‘소통’을 시도하는 과정을 보여준다. 이러한 시도는 조성묵이 시각적 경험에 기반한 소통에 대해 제기한 의문과도 연결된다. 사진을 전공한 그는 의도했든 의도하지 않았든 카메라로 촬영된 이미지를 감상자가 수동적으로 감상하는 방식에 한계를 느끼고, 살아 움직이는 작품을 만들어 감상자와 능동적으로 소통하길 시도한다. 그의 작품에는 다양한 매체와 형식이 발견되는데, 각각의 요소들은 모두 작품에서 ‘움직임(운동성)’을 드러내는 특징으로 귀결된다. 벽면에 설치된 후베르투스의 작품은 언뜻 보면 부조처럼 보이는데, 이를 자세히 보기 위해 다가가면 작품의 표면이 감상자의 시선이나 움직임에 따라 그 색과 이미지, 형태가 실시간으로 변화하는 특징이 발견된다. 이처럼, 감상자의 시각적 경험과 신체적 움직임이 하나의 매체로 작품에 도입됨으로써 후베르투스의 작품은 완성되는 것이다. 이러한 작품은 2차원의 평면 매체가 지닌 한계를 극복하여, 우리의 감각과 경험을 3차원의 공간을 너머 4차원의 시공간적 차원으로 확장시킨다. 그 결과, 후베르투스의 작품의 외형은 비록 물질의 형태이지만 궁극적으로는 비물질적인 시공간의 매개로서 작용하며, 작품을 능동적으로 해석하고 경험할 수 있는 열린 소통의 장(場)을 체험하도록 한다.

문범(1955-)은 1980년대 한국의 모더니즘과 민중미술의 대립이 일어나던 시기에 평면 회화에 대한 고정관념을 깨고 회화가 갖는 다양한 가능성을 모색한 작가이다. 그는 평면, 설치, 비디오 퍼포먼스 등 다양한 분야를 넘나든 작가 중 한 명이다. 전시에서 소개하는 문범의 작품은 그가 평면이라는 전통 미술 매체가 지닌 한계를 그곳에 두면서도 회화적 매체의 본질과 그것의 무한한 가능성을 평면에서 다시 찾고자 끊임없이 탐구한 흔적을 보여준다. 그는 재현과 서사가 부재한 강렬한 색면 위에 비회화적 물질인 철조각, 알루미늄, 펠트지 등 3차원의 물질을 부착한 조각적인 작품을 제작하며 다양한 형식 실험을 전개했다. 화면을 채우고 있는 순수한 색면과 사물의 결합은, 각 매체가 지닌 물성이 화면 안팎으로 응집하고 팽창하며 작품의 강렬한 ‘에너지’를 창출한다. 이러한 긴장감은 회화를 ‘보는’ 그림이 아니라 ‘느끼는’ 그림으로 만들게 하면서, 재현과 추상, 평면과 입체와 같이 이분법적으로 정의되는 예술의 개념들을 와해시킨다. 그러면서 창작자 자신에게 무엇을 재현해야 하는지에 대한 재현의 욕망을 질문함과 동시에 우리가 보고 느끼고 표현하는 행위의 목적, 즉 다양한 소통 양상을 살피게끔 한다. 이처럼, 문범의 회화는 평면을 환영적인 공간으로 치환시켜 평면이라는 공간에서 제한되던 기존의 인식과 감각을 오히려 평면 안에서 더욱 절대적이고 순수하게 감각하도록 이끈다고 할 수 있을 것이다.

막성스 도흐에(Maxence Doré, 1990-)는 회화를 하나의 시공간으로 정의하고, 감상자와 그 시공간을 함께 항해하며 내면의 사유와 탐구를 유도하는 작업을 한다. 막성스의 작품에는 스프레이로 매끄럽게 채색된 색면 위에 유화와 마커로 물결 형상의 곡선들이 묘사되어 있다. 이러한 형상은 기상위성과 영상 자료로 포착한 우주, 하늘, 바다, 지표면의 풍경이 재해석된 장면으로, 현실에서의 일상적 풍경과 비현실에 존재하는 상상의 풍경이 시각화된 것이다. 이처럼, 막성스의 회화는 현실과 이상의 세계가 응축된 일종의 풍경 추상이다. 여기서, 화면에 중첩된 곡선들은 작품 안팎으로 마치 공간이 움직이는듯한 강렬하면서도 오묘한 착시를 일으키며 작품 안에서의 거리감과 공간감을 생성한다. 이러한 시각적 효과는 단순한 감상에서 그치는 것이 아니라 감상자의 내면에 깊이 잠재되어 있던 의식의 흐름을 펼쳐내도록 유도한다. 말하자면, 막성스의 회화는 물리적인 시공간을 해체시키는 회화를 구현함으로써, 의식과 무의식, 현실과 비현실, 외면과 내면을 넘나드는 통로의 역할을 수행하는 것이다. 각자가 상상하고 이동하고 싶은 미지의 세계 속으로 이끄는 막성스의 회화는 이처럼 현실을 넘어설 수 있는 ‘자유로운 공간’이자 ‘소통의 공간’으로서 내면을 탐구하게 만드는 힘이 있는 예술이라고 하겠다.

≪매체와 소통≫은 예술가들이 선택한 매체가 작품 안에서 하나의 언어가 되어 감상자와 감응하는 과정을 조명한다. 각 예술가는 현실의 제약이나 관습에 종속돼 자신이 사용할 매체를 수동적으로 선택하는 것이 아니라, 작품의 의도를 구현할 적극적 도구로서 매체를 선택한다. 매체가 지닌 물리적 성질과 조형적 요소에 예술가의 의도와 정신이 결합되거나 합일되는 과정은 매체의 특성을 재창조하는 일이며, 작품의 소통 범위를 확대하는 순간이기도 하다. 이번 전시에서 관람객은 매체가 부각된 작품을 살펴보는 가운데, 저마다의 해석을 작품에 관철하며 시각 예술이 지닌 소통의 무한한 가능성과 그 즐거움을 몸소 체험할 수 있을 것이다.

글 l 임소희 (BHAK 큐레이터)