Perpetual Reflection

What do great artists have in common? BHAK presents Chung Sang-hwa, Yun Hyong-keun, and Won Sou-yeol. 《Perpetual Reflection》 unravels the story of the three different contemporary art masters who constantly reflected oneself to create their own compositions through oriental spirit.

When looking at Chung Sang-hwa(b. 1932)’s dense grid painting, one can feel a deep sense of rhythm. After exploring works in the experimental style of Informel and matière effect, his works lead the audience to the climax by gradually evoking emotions. Chung, also heavily involved in Dansaekhwa movement, cannot be simply contained in the term ‘Dansaekhwa’. In the mid-1950s, Chung was influenced by American abstract expressionism and Europe’s art informel on the direction of the Korean Informalism movement. Then, he shifted towards monochrome abstract painting and reached his signature technique using repetitive and systematic process of “tearing off” and “filling in” the work on canvas. The continuous change throughout his career shows his depth of philosophical disposition and his substantial influence on Korean contemporary art scene.

Yun Hyong-keun(1928~2007)‘s thick layers of palette builds profound silence and tension, closely interacting with the audience. Yun is one of the primary artists of the Dansaekhwa movement. Yun distinctively established his artistic world and named it the “gate to heaven and earth”. The mixture of blue and umber represents the meeting of heaven and earth, creating an unfathomable tone of black. Yun reflected the ‘oriental idealism’ of accepting and becoming part of nature by repetitively brushing down the color of heaven and earth. He was also heavily influenced by the nineteenth century literary artist Chusa Kim Jeong-hui, who wore out 1,000 brushes to master his own style of calligraphy. Yun’s repeated gestures and assertive lines deliver a still but extensive spiritual experience.

Won Sou-yeol(b. 1949)’s forceful black brushstrokes against the white surface create a solemn atmosphere. Her concentration on each brushstroke is unimaginable as she has once said, “I was painting and when I looked up to check the time, three years have passed.” Each stroke is uniquely splattered as if the brush and the painter have become one to carry out ordered yet disordered composition on a thick paste of white paint. The splatters of emotions reflect the 108 defilements that disturb one from reaching nirvana. The tension created by contradicting desires and emotions of extremes allows the viewers to immerse into the painting. One can empathize with the artist’s nomadic life as a foreigner in France, building insight into Buddhist dogma, oriental sentiment, and nostalgia of her hometown, Jeju.

Group exhibition of Chung Sang-hwa, Yun Hyong-keun, and Won Sou-yeol features a solid structure of art piece. The innumerable repetition of practice and reflecting on oneself create a continuous circle of art. The key is consistent and steady effort. The audience is easily attracted to the simplicity of the artwork but the lasting impression is imprinted in one’s mind.

정상화, 윤형근, 원수열 3인의 작품을 동시에 만나 볼 수 있는 전시 ‘Perpetual Reflection’를 7일 개최한다. 이번 전시는 파리를 거점으로 활동하며 고향에 대한 그리움을 동양적 정신으로 끊임없이 풀어낸 세 명의 거장들의 이야기다. 이미 거장의 반열에 올랐지만 끊임없이 재평가되고 시간이 흐를수록 가치가 짙어져 가는 작가들의 공통점을 한 자리에 모았다.

거장의 예술은 장르를 불문하고 통하는 게 있다. 그렇다면, 서로 다른 호흡과 리듬을 가진 현대미술의 거장들이 모였을 때 펼쳐지는 변주는 무엇일까? BHAK는 파리를 거점으로 활동했던 윤형근, 정상화, 원수열 3인의 작가에 주목한다. 《Perpetual Reflection》은 고향을 떠난 그리움을 동양적 정신으로 끊임없이 풀어낸 거장들의 이야기다.‘끊임없이 계속되는 반영’을 뜻하는 전시 제목처럼 세 명의 작가는 반복되는 노동과, 작업에 대한 성찰로 자신의 예술이 끊어지는 ‘선’이 아닌 무한한 ‘원’이 되도록 생명력을 불어넣었다. 각 작품들은 특색 있는 호흡과 리듬을 갖고 있으면서도 동양적 화합과 조화를 빚어낸다.

정상화(b. 1932)의 촘촘한 격자로 채워진 작품은 고갯짓이 나오는 리듬감을 선사한다. 강한 실험주의와 모험정신 가진 앵포르멜, 마티에르 기법을 사용한 그는 감정을 차차 고조시키며 전시의 클라이맥스로 관객을 이끈다. 정상화는 ‘단색화’ 화가로 알려졌으나 그의 작품세계를 이 한 마디로 규정하기에는 다소 부족함이 있다. 그의 작품세계는 끝없는 연구와 고민의 연속이다. 정상화는 1950년대 중후반 이후부터 앵포르멜 경향의 표현주의적 추상 작업을 하였다. 이후 단색조 추상으로 변화를 시도했으며, 1970년대부터 현재의 그를 대변하는 단색조 격자형 화면 구조가 자리잡았다. 캔버스 비우기와, 채우기를 반복하는 체계적 기법으로 국제적 명성 얻은 정상화는 60-70년대에 활동했던 작가들에게는 물론, 현재까지도 한국 현대미술에 중대한 영향을 미치고 있는 작가로 평가된다.

윤형근(1928~2007)의 굵은 선이 만들어 내는 적막과 긴장감은 작품 앞에서 걸음을 멈춘 관객의 호흡과 어우러져 교감을 시도한다. 윤형근은 '단색화' 흐름을 선도한 세계적 작가이다. ‘천지문(天地門)'으로 명명한 자신만의 작품 세계를 하늘을 뜻하는 청색(Blue), 땅의 색 암갈색(Umber)을 섞은 '오묘한 검정색'으로 완성시킨다. ‘무위자연(無爲自然)’, ‘물아일체(物我一體)’ 같은 동양적 정신주의가 지배적인 윤형근의 화폭에는 옛 선비정신이 느껴지는데 이는 그의 작품이 조선 말 추사 김정희의 서예에 뿌리를 두고 있기 때문이다. 1천 자루의 붓을 망가뜨릴 정도의 예술혼을 지녔던 김정희의 정신을 이었다고 스스로 밝힌 윤형근은 커다란 붓을 반복적으로 찍어 내려가는 묵직함으로 잔잔하지만 깊은 울림을 선사한다.

강렬한 붓터치와 흑백의 대비가 휘몰아치는 원수열(b. 1949)의 작품은 긴장감의 절정을 장식한다. “그림을 그리다가 어느 날 시계를 보니 3년이 지나 있었다.”라고 밝힐 정도로 원수열의 작품은 자신의 위력과 물감의 고요한 범람에 매료되었다가 극도로 고요한 상태로 다시금 돌아가기까지의 무아지경 상태를 담고 있다. 프랑스를 중심으로 20여년 이상 활동한 원수열의 그림에는 불교 교리와 동양적 정서, 고향 제주에 대한 그리움이 묻어난다. 두껍게 덮힌 흰 물감 위에 규칙적인 듯, 비규칙적인 듯 얽히고 튀겨 있는 검정 물감은 붓과 몸이 하나된 몸짓 같아 보인다. 검정에는 땅 위에 존재하는 모든 존재들의 오욕과 칠정이 폭풍 같이 뒤섞여 있다. 양극단을 오가는 모순된 욕구와 감정이 자아낸 긴장감은 역설적으로 예술과, 작가, 관객의 동화를 이루어 내고 온전한 자아를 찾을 수 있게 안내한다.

정상화, 윤형근, 원수열의 조합은 탄탄한 기승전결을 가진 구성의 곡을 감상한 것 같은 완성도를 선보인다. 이들은 끊임없이 반복되는 노동과, 작업에 대한 성찰로 자신들의 예술이 끊어지는 ‘선’이 아닌 무한한 ‘원’이 되도록 생명력을 불어 넣었다. 비법은 다름 아닌 ‘꾸준함’이다. 단순하기에 모두에게 쉽게 다가갈 수 있는 작품이지만, 그 울림은 도돌이표처럼 돌고 돌아 오래도록 맴돌고 기억된다.